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El próximo día 14 de octubre a las 20,30 hemos organizado en favor de la Asociación ALMOM para el cáncer de mama, y dentro de la semana de conmemoración de la lucha contra dicha enfermedad y que culmina el 19 con el “día mundial contra el cáncer de mama”. Ni que decir tiene que ninguno de los artistas o grupos, cobran por sus actuaciones, es un tema altruista e importante.
Dicha gala sera presentada por D. Juan Bautista Diez Rodriguez
Estudio Artes Escénicas, es Actor y Director de Arpegio Teatro. Escritor y Poeta. Colaborador de diversas publicaciones y participa de forma regular en distintas actividades culturales.
Comenzarán las actuaciones con diferentes canciones del Orfeón Leonés bajo la dirección de su nuevo director Jaime Palomero.
En segundo lugar actuaremos con el baile de una pieza por parte de Sofía Rodriguez
Profesional de Danza Española.Gran bailarina y coreografa. Colaboradora de Arpegio Danza
La magia le sorprendió a los 11 años, las mismas navidades en las que supo que quería ser mago, sus padres le regalaron una gran caja de magia y desde entonces no ha dejado de progresar como artista. Hoy lucha por un hueco entre los mejores del mundo.
La Tuna Femenina de la Universidad de León empezó sus andanzas en Octubre de 2013 como tuna novata, pero no se consolidó como tuna fundadora hasta el 11 de Junio de 2016.
Cuenta, desde entonces, con una experiencia previa como novatas que duró más de 2 años y medio, tiempo que no paso en balde pues aprendieron a disfrutar de esta bonita tradición de la mano de Tunas veteranas. Realizando viajes tanto nacionales, de norte a sur; como internacionales, habiendo pasado por media Europa, y con intención de trotar por la otra media en el futuro.
Inicia el contacto con la música a los ocho años edad realizando estudios de solfeo, guitarra y piano en el Conservatorio de Música de León. Es diplomada en Profesorado de E.G.B. (Magisterio) por la Universidad de León…
Esperamos que disfruten del espectáculo y apoyen para una buena causa.
Opera romántica de Schubert basada atemporalmente en el Reino Astur-Leonés
“Alfonso und Estrella”
Alfonso y Estrella D. 732
Opera de Franz Schubert, escrita en 1822 con la que intentó componer una ópera romántica en alemán. No contiene diálogos hablados.
La compuso entre septiembre de 1821 y enero de 1822, pero la fecha más temprana de una partitura autógrafa es de noviembre de 1822.
Nunca se estrenó en vida de Schubert, fue hecho el 24 de junio de 1854 por Franz Liszt.
Los personajes están ambientados en el Reino de León, pero hay que tener en cuenta que desde Alfonso X “el sabio” hasta el siglo XIX se consideraban leoneses a los reyes asturianos.
Personajes:
Rey Froila (Fruela)
Mauregato (el usurpador)
Estela (hija de Mauregato)
Alfonso (hijo de Froila)
Adolfo (general de Mauregato)
Argumento: Alfonso es el hijo del depuesto Rey Fruela de León. Fruela está preocupado porque Alfonso está ansioso por dirigir una revuelta contra Mauregato, el usurpador del trono. En la corte de León, Adolfo, un ambicioso general, está enamorado de Estrella, la hija de Mauregato, pero este ha dicho que sólo el hombre que posea “la cadena de Eurico” puede casarse con su hija Estrella. Adolfo está furioso por haberle sido denegado el matrimonio con Estrella y planea una revuelta contra Mauregato. Durante una expedición de caza, Estrella se separa de la partida. Ella y Alfonso se encuentran y se enamoran, sin saber cada uno la identidad del otro. Alfonso le da a Estrella un collar que siempre ha llevado consigo, y le señala un camino seguro a su hogar. De regreso en la corte, ella cuenta la historia y Mauregato, su padre, reconoce el collar como “la cadena de Eurico”. Antes de que pueda decirle lo que significa, comienza la rebelión dirigida por Adolfo, quien captura a Estrella. Alfonso descubre que Estrella es la hija de Mauregato y se pone al lado de este contra los rebeldes. Las tropas de Mauregato vencen a Adolfo y Alfonso rescata a Estrella. Mauregato tiene remordimientos de conciencia y restaura a Fruela en su trono a cambio de que este abdique en Alfonso y Estrella. Cosa que así sucede. Como se puede ver, un argumento plenamente romántico con un trasfondo pseudohistórico que sólo sirve como mera ambientación. La época elegida por Schubert y von Schober es la del reino de Asturias, pero hay que recordar que, como ya hemos dicho, desde Alfonso X “el Sabio” y hasta el s. XIX se consideraba leoneses a los reyes asturianos. La única coincidencia con la historia real son algunos personajes: Mauregato fue un rey asturiano que depuso a Alfonso II “el Casto”, hijo de Fruela I “el Cruel”. Tras muchas vicisitudes Alfonso pudo volver a hacerse con el trono en el año 791, pero como veis no hay mucha coincidencia con la trama de “Alfonso und Estrella”, aunque los autores no pretendían ser fieles a la Historia, sino ambientar su ópera en un lugar tan exótico (para ellos) como podía parecer el reino de León, con sus reyes con nombres germánicos. Pero no hay nada como escuchar algunos fragmentos de esta obra para apreciar su valor, así que aquí os dejo un par de vídeos de Yotube:
Quizás algún detalle de este tipo se nos podía haber pasado, pero gracias a los encontrados en el blog de Ricardo Chao, el cual transcribimos en gran parte, nos ayuden a saber que para Schubert, nuestra historia ya era conocida fuera de nuestras fronteras. Esperamos que disfrutéis del relato.
Biblografía: Wikipedia Youtube http://www.corazónleon.blogspot.com
Gracias a una investigación llevada a cabo por el neurocientífico, Daniel Levitin junto con el cantante y compositor Sting, estamos más cerca de entender cómo trabaja el cerebro de un músico. Cómo se generan hormonas y conexiones neuronales que dan pie a la composición y la ejecución musical. Un
Cuando escuché por vez primera el Himno Legionario del Novio de la muerte, tan solemne, tan emotivo, me comprometí conocer su historia, más la memoria tantas veces olvidadiza, hizo que el tiempo pasara sin más. Ahora me dispongo a emprender este viaje, viaje al que estáis invitados todos vosotros, compañeros del Orfeón, amantes de la música.
Caminaremos libres de equipaje, sólo la voz de los acontecimientos serán nuestro único guía en este relato, para unos, vestido de cierta leyenda, según otros una historia real.
Nuestro destino “El Novio de la Muerte”, Baltasar Queija de la Vega, uno de los ocho hijos de Baltasar y Teresa. Nació un 26 de marzo de 1900 en Minas de Riotinto (Huelva), cuando los gritos de dolor estaban vivos en el recuerdo y en el corazón, provocados por las medidas de prepotencia, opresión y persecución que la compañía minera Británica “Hugh Matheson” había impuesto contra el movimiento obrero de Minas de Riotinto.
Nada se sabe de su niñez, pero si conocemos que, con 20 años, la necesidad de labrarse un futuro más esperanzador para compartirlo con su novia, o tal vez, el deseo de poder contemplar las estrellas en las noches serenas de luna llena y admirar bellos amaneceres, lejos de tantas emanaciones sulfurosas, como así denunciara en el año 1920 Concha Espina en su libro “El metal de los muertos” impulsaron a que Baltasar, emulando a Tartesos, Fenicios, Romanos, sus antepasados, decidiera partir rumbo a lo desconocido y emprender una nueva vida en la ciudad de la eterna primavera, Santa Cruz de Tenerife como camarero.
La actitud hostil de la población rifeña ante la presencia española en Marruecos, fue siempre una constante, produciéndose violentos enfrentamientos. La sociedad española, conocedora de tal actitud, siempre censuró al gobierno, no sólo por su alto coste económico, sino también el embarque de tropas españolas a Marruecos.
Millán-Astray, comandante de infantería, curtido en antas batallas, a pesar de su juventud, venía observando con gran inquietud y preocupación el alto índice de bajas en los reclutas españoles destinados a Marruecos. Por tal motivo se dirigió a sus superiores, aconsejándoles de la necesidad e importancia de crear una unidad adiestrada, especial y sobre todo profesional, tomando como referencia, como modelo “La Legión Extranjera Francesa”.
Meses más tarde, mediante el Real Decreto de enero de 1920, se autorizó a Millán (con anterioridad, ya se habían tenido contactos con la Legión Francesa) la creación del “Tercio de Extranjeros”, que luego pasaría a llamarse “La Legión Española”. Siendo el primer alistado español, el ceutí de 30 años Marcelo Villeval Gaitán.
Los que sufren, los desgraciados, los perseguidos, todos, todos serán acogidos bajo el amparo de la bandera legionaria.
Baltasar, ya en Santa Cruz de Tenerife, paseaba acompañado con sus preocupaciones, sus sueños, sus añoranzas y quiso “¡la casualidad!”, o tal vez, las diosas “Moiras” Cloto, Láquesis, Átropos, que tejiendo los hilos del “destino”, hicieron que se topase con un pasquín de colores ocre, azul y negro, donde aparecía el perfil de un combatiente en cuyo rótulo se decía: “¡Alistaos en el tercio de extranjeros!. Comida sana y abundante, excelente vestuario”. Dos y más veces leyó el pasquín. Su imaginación voló lejos, muy lejos.
Pensativo, un tanto receloso, se preguntaba si esta llamada del cartel pudiera ser la
respuesta a sus necesidades, a sus aspiraciones, no deseaba que su vida llegara
a ser como una piedra en el camino, perdida, olvidada.
El 9 de octubre de 1920, firmó su compromiso con la legión por cinco años, siendo
las primas de enganche los dos primeros años 4,50 pesetas diarias,
tercero y cuarto año 5,25 pesetas y el quinto 5,85 pesetas,
más 700 pesetas que se abonarían a lo largo de los cinco años.
Un nuevo e incierto escenario se presentaba ante Baltasar.
Con su petate lleno de ilusiones, recibó el pasaporte y lista de embarque y como viático, previsión para comer 2,50 pts. diarias por plaza y día de viaje, hasta a Algeciras donde embarcaría rumbo hacia Ceuta, ingresando, junto con otros compañeros, en la Compañía de Deposito (provisional), que será su nueva casa. Fueron recibidos por el mismísimo Millán-Astray, recordándoles que tenían libertad para elegir quedarse o regresar de nuevo, que en la Legión siempre se les reconocería su valor y su honor.
Los acontecimientos se fueron sucediendo con gran rapidez.
Sus uniformes, serían, en principio, restos sobrantes de otros cuerpos y llevaban como distintivo, en el cuello de sus guerreras, unas cintas con los colores nacionales.
Tras un corto y muy duro periodo de instrucción, se constituyeron, octubre de 1920, las tres primeras banderas, reuniéndose en el campo de Tarajal, que será testigo de la jura de la Bandera Nacional ante el Regimiento de Ceuta N.º 60.
En Dar Riffien se les entregaría los nuevos uniformes que prometía el cartel de captación: Guerrera de cuello; pantalon breeche ceñido con vendas verdes, en color caqui verdoso; gorro isabelino; borceguies de cuero; macuto, bolsa de costado, correaje y sandalias.
Poco después la sexta compañía de Ametralladoras de la Segunda Bandera, que ya representaba para Baltasar su emblema y su orgullo, abandonaba el Tarajal con todos sus efectivos para dirigirse al Zoco de Arbaa (Tetuán) y Xeruta, muy próximo a Beni Hassan, dispuestos a entrar en combate si así fuera necesario. Una vez en su nuevo destino, efectuarán salidas, para dar protección a los convoyes de la zona, bien efectuando reconocimientos, bien vigilando las vías de comunicación.
Al amanecer, en una jornada muy habitual, rutinaria, nuestro protagonista, junto con otros compañeros, partieron del destacamento en busca de agua en algún acuífero cercano.
Ya de retirada, cuando el día se había rendido a la noche, que lentamente, como una sombra, había desplegado sus redes. Cuando el cansancio se reflejaba en sus rostros después de una larga jornada, cuando nada hacía presagiar novedad alguna, de repente, en una emboscada, fueron atacados por un grupo de rifeños, cuyo objetivo, parece ser, era el de apropiarse de sus armas.
Por fin, su deseo se iba a cumplir, entraría en combate. Lucharon con valentía y efectividad. Eran las 23,30 del día 7 de enero de 1921. Sonaron siete disparos, siete. Las heridas del cabo Baltasar fueron de muerte.
Refieren sus compañeros, que Baltasar les había comunicado la triste noticia de la muerte de su novia, que estaba desconsolado y abatido, que esperaba con ansiedad entrar en combate y que la primera bala fuera para él y así partir junto a su amada.
¿Premonición?,¿Destino?…
Poco después encontraron en uno de los bolsillos de su camisa unos versos “LOS VERSOS DEL MISTERIO”, “LOS VERSOS DE
LA DUDA”. El poema decía:
Somos los extranjeros legionarios.
el tercio de hombres voluntarios
que por España vienen a luchar.
Nuestro lema es morir o vencer,
con la fría convicción del deber
y la firme virtud militar.
El legionario trovador, el legionario poeta, el primero de una larga y extensa
lista de compañeros caídos, se había ido a la morada de los muertos a vivir
junto a su amada.
La vida, su corta vida se portó muy mal con Baltasar, fue cruel e ingrata, era un niño, nos dejó cuando aún conservaba la mirada limpia, cuando las puertas de la vida comenzaban a abrirse a la esperanza, a la ilusión. Su muerte, en cambio le otorgará mas reconocimiento.
Fue enterrado con la mayor solemnidad. Pronto, pronto, regresará para quedarse con nosotros.
Estos hechos son conocidos por Fidel prado, prestigioso autor de letras de “Cuplés” que, inspirándose en los versos de Baltasar, creó una composición poética, muy emotiva, e ilusionado, se la envió a su amigo y compositor de “Varietés”, Juan Costa Casals, para que pusiera música a su querido poema.
Y una vez más el destino de Baltasar toma nuevos rumbos, nuevos caminos, nuevos escenarios.
Julio de 1921, Mercedes Fernández González, de nombre artístico “Lola Montes” y que recientemente, se había pasado al espectáculo de “Cuplés”, abandonado su carrera como Tiple cómica de la zarzuela, se encontró por casualidad con Fidel Prado en la calle Montera de Madrid.
Este invita a Lola para que le acompañe y juntos se van a los estudios de maestro Modesto Romero, en la Calle Luchana N.º 10, para escuchar el resultado de la tan esperada composición.
Esta primera audición fue de auténtico júbilo, alegría y fiesta. Tanto fue así que Lola se comprometió ya a incluirlo en su próxima actuación.
Había “NACIDO” el cuplé del “NOVIO DE LA MUERTE”. Sus primeras estrofas relatan:
Nadie en el tercio sabía
quien era aquel legionario,
tan audaz y temerario
que en la legión se alisto.
Nadie sabía su historia
más la legión suponía,
que un gran dolor le mordía
como un lobo el corazón…
20 de Julio de 1921
El tic-tac de las manecillas del tiempo, se paró. El telón del teatro Vital de Málaga se levantaba para recibir a la gran tonadillera del barrio madrileño de Lavapiés, Lola Montes. Todo transcurrió como un sueño. Los aplausos y vítores no cesaron durante toda su actuación. Su elegancia, simpatía, su voz y una cautivadora música fascinaron a un público entregado.
Era el “BAUTISMO” del Novio de la muerte, un charlestón para ser cantado en cabarets, cafés con pequeñas orquestas…
Entre las muchas autoridades, civiles, militares, se encontraba la duquesa de la Victoria, Dña. María Eladia Fernández Espartero y Blanco, sobrina del general Espartero, que dirigía los hospitales de la Cruz Roja en Marruecos, y emocionada, se acercó a la artista, pidiéndole que actuara los días 30 y 31 de Julio en el Teatro Kursaal de Melilla, para elevar el ánimo, el espíritu militar de las tropas españolas y que la población melillense recobrara la alegría y la esperanza.
Días atrás el Protectorado Español con su general Silvestre al mando, había sufrido la mayor humillación, la mayor derrota, El desastre de Annual, más de diez mil combatientes muertos, soldados perdidos, sin rumbo… por las tribus rifeñas dirigidas por Abd – El Kriam, antiguo funcionario de la administración central de asuntos indígenas en Melilla.
La tonadillera se presentó en el Teatro Kursaal de Melilla vestida de enfermera. Los aplausos fueron unánimes, constantes. Los vítores de agradecimiento y reconocimiento a la Legión no cesaron.Una, y hasta tres veces fue cantado el emotivo cuplé.
El novio de la muerte había recibido con gran audiencia su “CONFIRMACIÓN”.
Millan-Astray, presente en dicha actuación, quedó sorprendido por la sugerente música y letra del recién estrenado cuplé y supo que su mensaje estaba en sintonía con lo que él quería que fuese La legión y pidió que su ritmo fuese adaptado para marcha militar (162 pasos por minuto) y ser entonada en actos solemnes.
La música, único idioma universal, aligera el camino, fortalece el alma y da valor para entrar en combate
En julio de 1952 el director de Música de la banda del Tercio, Emilio Ángel García Ruiz, adapta la música del Novio de la Muerte a ritmo procesional para los desfiles de Semana Santa, primero en Ceuta y posteriormente en Málaga Considera que un ritmo más lento, fúnebre, solemne, es más apropiado para honrar y venerar a los caídos en batalla.
Dos himnos, se complementan, viven juntos, se quieren, el Oficial (La canción del Legionario) creado en 1920 por el maestro Modesto Romero, letrista y el del comandante Emilio Guillen Podemonti, músico, compuesto para la lucha, para el combate, para la guerra, para morir con honor, el Oficioso (El novio de la muerte) es el himno para recordar, para honrar a los muertos, a los muertos en batalla.
Compañeros, estamos en la última estación. Nuestro viaje ha finalizado. Espero y deseo que no haya resultado muy cansado.
“Es Jueves Santo. Tarde triste, de oración.
La Legión en procesión
lleva en andas a su Cristo
“Cristo de la Buena Muerte”,
su patrono y protector.
Desfila lentamente,
marcando el ritmo con señorío emocionado.
Sus voces desgarradas, van cantando:Por ir a tu lado a verte,
mi más leal compañera,
me hice novio de la muerte.
La estreché con lazo fuerte
Y su amor, fue mi bandera.”
MIGUEL MAROTO
(Orfeonista)
Bibliografía:
Ballemida y García de Zamarra, Miguel – La Legión 1920-1927
Casoña, Francisco – El Cancionera
Costa Casals, Juan – Compositor de Varietés
De Arce, Juan Carlos – Historia de la Legión Española
Espina, Concha – El Metal de los Muertos
La Legión, Cancionero ABC publicado el 19 de Marzo de 2014
Mecía Serrano. Antonio – Del cuplé al himno pasando por la legión
Millan-Astray, Francisco – La Legión Española
Millan-Astray, Francisco – La Legión… Al Tercio
Pedro Luque, Fidel – Letrista de cuplés
Ruiz Vidondo, Jose María – El desastre de Annual
Togores, Luis Eugenio – Historia de la Legión Española
Con la intención de hacer un homenaje al maestro Odón Alonso, y puestos en contacto con el Museo de León, se ha procedido a efectuar una exposición sobre su vida y lógicamente sobre la vida del propio Orfeón Leonés.
Orfeón que fue dirigido por él durante muchos años, conociendo bajo su batuta logros importantes y de renombre.
Creemos que un personaje como este no puede caer en el olvido ni en el ostracismo. Un gran músico el padre, y también otro gran músico, el hijo. Odón Alonso destacó por su buen hacer con la música en León.
Nació Odón Alonso González el 7 de enero de 1900, en La Bañeza, en el seno de una familia de confiteros, grandes amantes de la música que desde la niñez inculcaron esta afición a sus hijos.
Su primer profesor musical fue D. Potenciado Pardo, a la sazón director de la banda de La Bañeza. Este profesor le enseñó el primer año de solfeo y los principios de flauta, siendo este el primer instrumento que tocó en la banda, con siete años de edad. Posteriormente por su cuenta, como autodidacta, aprendió a tocar el violín, violonchelo, piano y saxofón. Como alumno aventajado que era, a los doce años ya dirigió su primera rondalla, al tiempo que componía para otras.
En 1923 organiza y dirige la Masa Coral Bañezana y una pequeña orquesta compuesta por alumnos suyos. Esta conjunción de Masa Coral y Orquesta, constituiría mas adelante la llamada Masa Coral Instrumental Bañezana.
En el año 1933, llegó a León, ya casado con Doña Iluminada Hordas, en compañía de sus hijos Odón y Emilio. Una vez en León, con las presiones de Pinto Maestro, director de “La Mañana” y presidente del Orfeón Leones se hizo cargo de este para el resto de sus días, sustituyendo a D. Rafael Chico Bartolomé, Director de la Banda del Regimiento Infantería de Burgos 36.
Fue por aquel entonces cuando puso música al Himno a León. Otra de sus obras mas queridas, la Plegaria a la Soledad, “Sola quedas Madre mía”, fue estrenada con el Orfeón Leones en 1935.
Por aquellos años dedicó gran parte de su actividad a la zarzuela, montando Los Gavilanes y otras obras de Guerrero, Sorozabal, etc., con el Orfeón, al tiempo que escribía sus zarzuelas Rosina o Así se quiere en mi tierra y La mujer que anda de noche.
A petición del Ayuntamiento de León de la época formó, lo que a partir de 1941, sería la Banda Municipal de León, que tras un breve paréntesis en 1963, fue base de la actual.
En 1940 fundó la Escuela de Música del Orfeón Leonés y en la que impartió enseñanzas de solfeo y diversos instrumentos hasta el final de sus días. Todos estos trabajos no le impidieron recorrer la provincia para recopilar canciones por los pueblos y posteriormente darles vida en una partitura; gran parte de estas canciones no vieron cumplido este objetivo final. Fruto de este trabajo fueron gran cantidad de obras como Levantaribus, Ojos Azules, La Palomita, La Molinera, etc. al tiempo que propició el renacimiento del rito de Las Cantaderas, tal como actualmente se conserva.
En 1963 creó la Orquesta de Cámara de León, hoy conocida como Orquesta Ciudad de León “Odón Alonso”.
A lo largo de su vida recibió diversos reconocimientos, entre los que cabe destacar: El título de Caballero de la Orden de Alfonso X El Sabio, con encomienda de Plata, La Cruz de
Caballero de la Orden de Cisneros, la Medalla de Oro al Trabajo, Medalla de Plata al Mérito Sindical y el titulo de Hijo Adoptivo de León.
A lo largo de su vida recibió diversos reconocimientos, entre los que cabe destacar: El título de Caballero de la Orden de Alfonso X El Sabio, con encomienda de Plata, La Cruz de Caballero de la Orden de Cisneros, la Medalla de Oro al Trabajo, Medalla de Plata al Mérito Sindical y el titulo de Hijo Adoptivo de León.
Finalmente, el Maestro nos dejó el 3 de marzo de 1977, con la humildad y el silencio que siempre le caracterizaron.
TÍTULO ORIGINAL The Godfather AÑO 1972 DURACIÓN 175 min. PAÍS Estados Unidos DIRECTOR Francis Ford Coppola GUIÓN Francis Ford Coppola y Mario Puzo (Novela: Mario Puzo) MÚSICA Nino Rota REPARTO Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton, John Cazale, Talia Shire, Richard Castellano, Sterling Hayden, Gianni Russo, Rudy Bond,
John Marley, Richard Conte, Al Lettieri, Abe Vigoda, Franco Citti PREMIOS 1972: 3 Óscars (Mejor película, actor -Marlon Brando)- y guión adaptado). 11
nominaciones
1972: Globo de Oro: Mejor película: Drama GÉNERO Drama | Mafia. Crimen. Años 40. Años 50. Película de culto
La canción de Nino Rota, es, sin lugar a dudas, una de sus composiciones más (merecidamente) celebradas: su aportación a la magistral cinta de Coppola, El Padrino, constituye un elemento fundamental en lo que se refiere a la propia idiosincrasia de una trilogía de factura única. Intentaré desgranar estrictamente aquellos aspectos más significativos que, a mi entender, Coppola apunta en la primera entrega de la tríada que inició en 1972 junto a Mario Puzo, sin olvidar referencias a las partes II y III de este corpus indisoluble.
El mismo Rota apuntó en una entrevista que el encargo de Coppola fue muy claro: nada de música ‘de gángsters’, policiaca o similares. La petición que le fue hecha contenía una palabra clave que Rota no solamente interiorizó sino que defendió magistralmente: meridional. Coppola quería una banda sonora que imprimiera carácter a su largometraje y subrayara los rasgos ancestrales de la saga Corleone. En un encuentro entre Coppola y Rota, en Roma, en enero de 1972, con la película prácticamente terminada, director y compositor pulieron diversos aspectos vinculados a la banda sonora del film. Gracias al acceso al material extra que las ediciones actuales de la trilogía ofrecen, podemos seguir la narración del propio Rota acerca de los principales temas musicales de la película. Ante todo, la composición del vals central, que empieza como apunta Rota ‘lentamente’. Según Coppola el tema resulta lo suficientemente ‘abstracto’ como para funcionar, a lo que Rota asiente, partiendo de la estructura y armonía típicas del género pero ‘extendidas’. A Coppola le pareció tan bonita esta melodía, la del vals, que optó por sumarla a nuevas escenas (en la primera entrega, por ejemplo, esta melodía subyace en la inquietante escena del hospital). La construcción del Mike’s Theme también resulta memorable. Rota otorga a esta melodía todo el dramatismo de lo que acontecerá al joven Michael (ver en este sentido cómo este tema aparece de manera reiterada, en solitario o combinándose con otros, como es el caso de No tears for Tessio, tema al cual Rota suma el Michael’s Theme).
Más allá de recomendar encarecidamente la audición del nostálgico y efectista, brillante y, ante todo, inspirado Godfather Waltz (Corleone’s Waltz, en la partitura de Rota) quisiera destacar cómo Rota, en su banda sonora, matiza esta primera composición con un segundo tema que adquirirá a lo largo de las tres entregas un creciente protagonismo hasta centrar, en la tercera parte, un momento álgido en lo que a emotividad se refiere: el Godfather’s Theme, interpretado a solo por el joven tenor Anthony Vito Corleone, con el único acompañamiento de la guitarra.
Una de las claves del éxito de la credibilidad de la trilogía que nos ocupa es el económico e inteligente uso de la música en cada una de las entregas. En este sentido, la ausencia de ‘hilo musical’ en los tramos de mayor violencia y dramatismo enfatiza dichas escenas. ¿Hiperrealismo? En ningún caso. Simplicidad y destreza, únicamente. Coppola aparece cometido en todo momento, ‘orquestando’ esta gran construcción catedralicia que es su trilogía. Ni tan solo en momentos de sumo riesgo, resbala. Me refiero, sin ir más lejos, a la trágica y electrizante muerte de la joven Mary Corleone. El no-grito de Pacino resulta absolutamente desgarrador. Únicamente el intermezzo de la Cavalleria Rusticana de Mascagni puede rubricar tan cruel final, tamizado por las nostálgicas imágenes del vals danzado por la dulce Apollonia (inmortalizada en el film por la bella Simonetta Stefanelli), a las cuales Coppola enlaza fragmentos del baile entre Michael y Kay y, para finalizar, de Michael y Mary.
Esta historia musical tiene guión de Arthur Laurents y música de Leonard Bernstein, letras de Stephen Sondheim y coreografía de Jerome Robbins, y se estrenó por primera vez en Broadway en 1957. El musical es una adaptación de la obra de William Shakespeare Romeo y Julieta, pero adaptándola a la rivalidad de las bandas juveniles de irlandeses y puertorriqueños en Nueva York.
Para que vayas desempolvando los recuerdos de este musical, rescatamos para ti una de las mejores canciones de West Side Story, ¿preparado?
Tonight
Esta canción prepara al espectador para la gran noche, para el momento cumbre de la historia. María y Tony en su parte cantan sobre las ganas que tiene de que todo acabe, que desaparezcan las rivalidades y puedan vivir su relación en paz. Pero no podrá ser… Los expertos coinciden en decir que Los elementos dramáticamente contrastantes en esta escena y su correspondiente presentación en música se han comparado con el trío Cosa sento! de Las bodas de Fígaro de Mozart.
Ni el autor de la letra, el abogado y periodista leonés José Pinto Maestro (1893-1952), ni el compositor de la música, Odón Alonso (1900-1977), llegaron a ver cómo el Himno a León se convertía en el himno oficial de la ciudad poco después de fallecer el músico bañezano. Tuvieron que pasar más 44 años desde su estreno -y de la dedicatoria que ambos hicieron del mismo tanto al Consistorio como a la Diputación- para que el Ayuntamiento de la capital lo adoptara como propio.
El pleno celebrado el 16 de marzo de 1978, siendo alcalde Óscar Rodríguez Cardet, reconoció institucionalmente el mérito de una composición asumida y popularizada mucho tiempo atrás, a la que el Boletín Oficial de la Provincia (BOP) dio el lunes 10 de abril el reconocimiento formal -en el ámbito municipal- que los leoneses le otorgaron casi medio siglo atrás.
El estreno tuvo lugar en julio de 1934 durante la celebración del quinto centenario de las Justas de Suero de Quiñones de Hospital de Órbigo, y la interpretación corrió a cargo del Orfeón Leonés. Odón Alonso fundó en 1941 la Banda Municipal de León, que lo adaptó con los arreglos correspondientes, y propició su presencia en actos y celebraciones. Es la banda sonora de todo tipo de eventos en tierras leonesas y traspasa fronteras para servir de recuerdo y exaltación ‘del amor al terruño’ en cualquier punto del planeta.
La puesta de largo del himno ya oficial de León tuvo lugar el 1 de octubre de 1978 en la plaza del Grano, tras la llegada de los carros engalanados que festejaban a San Froilán. El Orfeón Leonés, dirigido por Luis Samartino, acompañado de la banda de música, lo interpretó. También lo grabó la orquesta y coros de RTVE dirigidos por Odón Alonso, hijo del autor de la música, para favorecer su difusión.
Pero el himno que arranca con un rotundo ‘Sin León no hubiera España’ y que llegó para quedarse pudo haber sido otro. Según se explica en ‘protocolo.org’, en 1903, con motivo del segundo centenario del Padre Isla, el Ayuntamiento anunció la convocatoria de un premio dotado con 125 pesetas para disponer de la música de un himno leonés. Al parecer, la convocatoria fue cancelada, aún cuando ya existía una letra preparada, obra de Benito Blanco.
Las mismas fuentes señalan que dos sacerdotes, Uriarte y Zorita, habrían compuesto la letra y música de una Marcha de la Ciudad que entregaron al Ayuntamiento y que se dio por recibida en enero de 1940 y otra propuesta de Salvador Ibarra llegó cinco años y medio después sin que tampoco fructificase su adopción.
Trompeta y tambor
La ciudad de León no aprobó como oficial un himno hasta 1978 pero la música como símbolo de identificación de la misma estuvo presente desde varios siglos antes. Así, en el siglo XVI ya se citaba como “antigua” la existencia de una marcha o diana de caballería que se interpretaba con trompeta y tambor en la fiesta de la Virgen de agosto. Otras muchas marchas pudieron sonar después hasta la llegada de la que ‘hace asomar a los labios el corazón para gritar’: ‘Viva León, Viva León!’.
Una etapa donde los retos que tenemos son importantes y hay que superar los que ya se tenían que estaban a una altura considerable. Hay 130 años de logros que tenemos que, como poco, igualar.
El músico Jesús Lopez Cobos ha fallecido este viernes en Berlín a consecuencia de un cáncer a los 78 años. Sus restos serán trasladados a Toro (Zamora), ciudad natal del músico, donde será enterrado.
López Cobos nació en 1940 en la localidad zamorana de Toro. Realizó sus primeros estudios de música en el Conservatorio de Málaga, continuó su formación en el Real Conservatorio de Madrid. Estudió en la Universidad Complutense de Madrid, donde se licenció en Filosofía y Letras en 1964 y diplomó en Composición en 1966, además de dar comienzo a su carrera al frente de los coros de la universidad, siendo galardonado con diversos premios como fundador y director de la Coral Universitaria de Madrid. Más adelante, inició los estudios de Dirección de Orquesta en Alemania, concluyéndolos en Nueva York.
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La Tuna Femenina de la Universidad de León empezó sus andanzas en Octubre de 2013 como tuna novata, pero no se consolidó como tuna fundadora hasta el 11 de Junio de 2016.
Una de las claves del éxito de la credibilidad de la trilogía que nos ocupa es el económico e inteligente uso de la música en cada una de las entregas. En este sentido, la ausencia de ‘hilo musical’ en los tramos de mayor violencia y dramatismo enfatiza dichas escenas. ¿Hiperrealismo? En ningún caso. Simplicidad y destreza, únicamente. Coppola aparece cometido en todo momento, ‘orquestando’ esta gran construcción catedralicia que es su trilogía. Ni tan solo en momentos de sumo riesgo, resbala. Me refiero, sin ir más lejos, a la trágica y electrizante muerte de la joven Mary Corleone. El no-grito de Pacino resulta absolutamente desgarrador. Únicamente el intermezzo de la Cavalleria Rusticana de Mascagni puede rubricar tan cruel final, tamizado por las nostálgicas imágenes del vals danzado por la dulce Apollonia (inmortalizada en el film por la bella Simonetta Stefanelli), a las cuales Coppola enlaza fragmentos del baile entre Michael y Kay y, para finalizar, de Michael y Mary.
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